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sábado, 15 de mayo de 2010

DEL ÉXTASIS AL ARREBATO. 50 años del otro cine español

DEL ÉXTASIS AL ARREBATO. 50 años del otro cine español es un programa producido por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y el CCCB, que nació con la voluntad de mostrar en los principales museos y centros de arte internacionales una selección del cine menos conocido en España desde la década de los 50 hasta la actualidad. En octubre de 2009 inició una gira internacional que lo ha llevado a ciudades como Melbourne, Washington o Nueva York. Durante este mes se proyecta por primera vez en España, entre los días 9 y 30 de mayo en el CCCB y entre el 10 y 28 de mayo en el Museo Reina Sofía.

Se trata de un tipo de cine importante pero muy desconocido tanto en nuestro país como fuera de nuestras fronteras. Los comisarios consideran prioritario alumbrar este patrimonio cultural y otorgarle la visibilidad que merece. En sus palabras: “Facilitando el acceso a obras que no circulan habitualmente y que ha sido preciso rescatar de los archivos de las filmotecas o incluso de las propias casas de los autores, nuestra iniciativa quiere servir como un medio de conocimiento para los no iniciados, al tiempo que vehicular una investigación rigurosa sobre estas obras ignotas y fascinantes de la historia del cine español”.

Para ello, han llevado a cabo una fase exhaustiva de documentación y catalogación de más de un millar de títulos y se han realizado labores de restauración, transfer digital o tiraje de copias nuevas para asegurar la óptima condición técnica de dichas piezas.

El programa de cine que ahora se presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía abarca alrededor de 50 títulos de diferentes autores y está desglosado en 7 sesiones, de aproximadamente 70 minutos cada una. Pretende trazar un amplio recorrido por las obras de referencia que conforman la poco conocida historia del cine experimental en nuestro país. Además, incluye una conferencia del artista Toni Serra (24 de mayo), en donde presentará su obra más reciente.

El programa consiste en una retrospectiva del cine experimental español desde finales de los años 50 (José Val del Omar, Joaquim Puigvert o Eugenio Granell) hasta la producción actual de las jóvenes generaciones (David Domingo, Oriol Sánchez o Laida Lertxundi), pasando por la obra de Carles Santos, Javier Aguirre, Eugeni Bonet, José Antonio Sistiaga o Iván Zulueta. Organizadas de manera transversal y no necesariamente cronológica, las distintas sesiones fomentan un diálogo entre las obras clásicas y las más recientes.

Programación
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viernes, 5 de febrero de 2010

Reina Sofía, Exposición Mario García Torres

El próximo martes, 9 de Febrero, a las 12:00 horas se presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía la exposición Mario García Torres, ¿Alguna vez has visto la nieve caer? El acto contará con la presencia del director del Museo, Manuel Borja-Villel y del artista.

Coincidiendo con la celebración de ARCO 2010, este año dedicado a Los Ángeles, el Museo ha organizado una exposición sobre este artista mexicano, quien en la actualidad vive y trabaja en Los Ángeles, California, EE.UU.

La exposición, la primera que una institución española le dedica a este artista, se ubicará en las antiguas carboneras del edificio Sabatini, situadas en el sótano del Museo. El espacio, dividido en dos ambientes, servirá a Mario García Torres para crear sendas instalaciones. Una de ellas, creada expresamente para la ocasión, consiste en una proyección de diapositivas (se proyectarán simultáneamente diapositivas sobre varias pantallas) que estarán acompañadas de audio. En esta ocasión, García Torres se sirve del formato audiovisual para relatar un capítulo poco conocido del también artista Alighiero Boetti: el One Hotel que Boetti inauguró en Afganistán. La otra sala del espacio albergará obras que complementarán la instalación.

Mario García Torres (Monclova, 1975) ha sido galardonado con diferentes distinciones como el Cartier Award – Frieze Art Fair, 2007; Fullbright Grantee, 2003-2005, o la PAEE –FONCA/CONACULTA Grantee, 2004. Recientemente el artista ha expuesto su obra en el Jeu de Paume, Paris; Berkeley Museum of Art, Berkeley, CA; CCA Wattis Institute for Contemporary Art, San Francisco, CA; en el Kunsthalle Zurich; Switzerland; Cube Hoxton Square, London; Sora Gallery, Tokyo; Museum of Modern Art, Syros, Grecia; Stedelijk Museum, Amsterdam, Holanda Mario Garcia Torres, Kadist Art Foundation.
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viernes, 29 de enero de 2010

LAX, la ciudad de Los Ángeles a través del cine experimental y el vídeoarte

Fechas: 1 a 28 de febrero de 2010
Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Salón de Actos Sabatini. Acceso por Santa Isabel, 52
Entrada: gratuita hasta completar aforo
Comisarios: Berta Sichel y Julieta Roitman (L.A. Films), Glenn Phillips (Videoarte en Los Ángeles) y Joseph Jacobs (Kenneth Anger. El mago del cine)


L.A. Films consta de seis largometrajes y cortometrajes, históricos y contemporáneos, en donde la ciudad de Los Ángeles aparece desplazada más allá de su papel estándar como escenario de muchas películas hollywoodienses y convertida en un tema legítimo de discurso fílmico. Esta selección de filmes “menores” –término acuñado por el investigador David James para referirse al cine de Los Ángeles al margen de las grandes producciones–, examina la cultura, el paisaje y los personajes de la ciudad y sus alrededores.

Videoarte en Los Ángeles (1970-1984) agrupa 24 piezas de la colección del Getty Research Institute, de artistas pertenecientes a la generación que renovó el videoarte producido en Los Ángeles partiendo de nuevas perspectivas estéticas y de una expresión política, vinculada a la crítica a los medios. Incluye creaciones de Paul McCarthy, Bill Viola, Suzanne Lacy y Chris Burden, entre otros. Suzanne Lacy estará en Madrid el día 18 de febrero y presentará el proyecto de su nueva performance, El esqueleto tatuado, prevista para noviembre de 2010 en el Museo.

Kenneth Anger. El mago del cine es una retrospectiva sobre uno de los creadores cinematográficos más innovadores del siglo XX. Sus cortometrajes son pioneros en la utilización de diversas técnicas de edición y en la utilización de canciones pop en lugar de una banda sonora original. Se trata de uno de los artistas que más ha influido en el cine de culto de los setenta y en la imaginería de los vídeos musicales. Sus obras son exhibidas hoy en galerías de primera línea en Berlín y Nueva York. El corto Arabesque for Kenneth Anger, de Marie Menken, un homenaje al artista filmado en Granada, completa la retrospectiva. Joseph Jacobs impartirá una conferencia sobre la dimensión de la obra de Anger el día 15 de febrero.
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martes, 26 de enero de 2010

David Hare, Paloma Calle y Rotozaza presentarán sus creaciones en el Museo Reina Sofía, en el marco del festival Escena Contemporánea

David Hare, uno de los grandes autores del teatro contemporáneo, realizará un encuentro con el público y la prensa el día 30 de enero en el Museo


La décima edición del Festival “Escena Contemporánea” trae a David Hare, Paloma Calle y Rotozaza al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, una selección de obras y autores que mostrará los nuevos caminos y medios que se están abriendo en la dramaturgia contemporánea a través de las prácticas escénicas más innovadoras.

Se trata de tres creaciones que comparten una misma voluntad: la de considerar al espectador como parte esencial del proyecto artístico. En todas ellas, el espectador es sujeto activo de la propia representación, adquiriendo una relevancia que no posee en un espectáculo más convencional.

Las tres piezas que se presentan en el Museo lo hacen en espacios que no son escénicos al uso, sino que supone la apropiación de lugares no habituales en las prácticas escénicas: la cafetería Nouvel, la sala de protocolo del edificio Sabatini y la sala de exposiciones 305


David Hare. “Vía Dolorosa”

Fecha: 27, 28 y 30 de enero de 2010
Hora: 19:30 h (27 y 28 de enero) y 20:30 h (30 de enero)
Lugar: Sala de protocolo, Edificio Sabatini
Organizado por: Festival Escena Contemporánea. Ciclo Autor
Con el apoyo de: Fundación British Council
Duración: 75’

David Hare pone de manifiesto en este monólogo el estado de la situación del conflicto, la progresiva radicalización e irracionalidad de las posturas, a través de la crónica de un viaje que hizo a Israel y a los territorios palestinos (Cisjordania y Gaza) para recoger de primera mano las opiniones e ideas de políticos y artistas, colonos e historiadores de cada uno de los dos lados. El odio, el miedo y el rencor siguen aumentando desde aquel valiente viaje que Hare emprendió en 1997, impulsado por su incuestionable compromiso con la justicia y la humanidad, reflejado a todo lo largo de su extensa obra dramática.

Via Dolorosa, de David Hare, se representa a cargo del Teatro de la Esquirla y está dirigida por Vicente León, premio Max de la Crítica 2007.

David Hare y David Ladra. “Un recorrido con David Hare: desde la City a Jerusalem y Bagdad”

Fecha: 30 de enero de 2009
Hora: 18:30 h
Lugar: Auditorio 200, Edificio Nouvel
Organizado por: Festival Escena Contemporánea. Ciclo Autor
Duración aprox.: 90’
Entrada gratuita hasta completar aforo

La conferencia “Un recorrido con David Hare: desde la City a Jerusalem y Bagdad” es una actividad en forma de entrevista-encuentro que se enmarca en el Ciclo Autor de Escena Contemporánea 2010, bajo la dirección de Vicente León.

David Hare nació en 1947 en Inglaterra, fue dramaturgo residente en el Royal Court Theatre en 1970 y 1971 y del Nottingham Playhause en 1973. Cofundó con Max Staford Clark en 1975 el Joint Stock Theatre Group. Asimismo ha sido director adjunto del National Theatre desde 1984; fue nombrado caballero de la Orden del Imperio Británico en 1998 y es miembro de la Royal Society of Literature.

Entre sus obras podemos destacar Knuckle (1974), Pravda: A Fleet Street Comedy (1985), Racing Demon (1990), The Absence of War (1993), Skyligth (1995), The Judas Kiss (1998), My Zinc Bed (2000), The Permanent Way (2003), Staff Happens (2005), The Vertical Hour (2006) o Gethsemane (2008) por citar solo algunas de su extensa producción.

Es un autor especialmente comprometido con temas sociales y políticos, y muchas de sus obras denuncian situaciones y conflictos fundamentales de nuestra época, como el problema palestino o el deterioro de los servicios públicos británicos a raíz de las privatizaciones de los gobiernos conservadores de Margaret Thatcher.

Ha dirigido y escrito varias películas como Wetherby (1985), con la que consiguió el Oso de Oro en el festival de Berlín, Heading Home (1991), y ha escrito guiones de películas tan reconocidas como: Herida (Louis Malle), Las Horas y El Lector (dirigidas por Stephen Daldry) o My Zinc Bed (Anthony Page); ha estado nominado a los Oscar y a los premios BAFTA (otorgados por la Academia Británica de Cine y Televisión), y recibió el premio del Sindicato de Escritores Norteamericanos.


Paloma Calle. “Hello myself”


Fecha:
11 – 13 de febrero de 2010
Hora: de 17.00 h a 20.10 h (11 y 12 de febrero) y 21:00 h (13 de febrero)
Lugar: Sala 305, Edificio Sabatini
Organizado por: Festival Escena Contemporánea


Hello Myself es una obra en la que la artista Paloma Calle busca a su doble, una persona cuyo parecido externo e interno con ella sea el máximo posible. El proyecto investiga la búsqueda de la propia identidad encontrada en el hallazgo de una persona desconocida. Habla de la multipresencia, de la búsqueda de personas que se convierten en el eco de uno mismo.

La pieza se desarrolla a lo largo de tres días. Los dos primeros se realizarán los encuentros abiertos al público con las personas que hayan concertado una cita. El tercer día, Paloma Calle invitará a cenar a la doble elegida en Madrid en compañía de las otras dobles previamente encontradas en otras ciudades. Los interesados en participar pueden llamar al teléfono 689 435 846 para recibir más información o/y concertar una cita. El espacio donde se realizan los encuentros entre la artista y sus posibles dobles es accesible al público desde el primer día.

Paloma Calle (Madrid, 1975) se forma y trabaja durante más de 10 años en España, Alemania e Italia como intérprete para diferentes compañías de teatro y de danza experimental. Desde 2004, trabaja en sus propias creaciones dentro del ámbito de la performance, las artes escénicas y el video. En sus producciones suele optar por trabajar con material autobiográfico revisitado y reelaborado desde una perspectiva irónica. La pregunta y la experimentación sobre la convención espacial están siempre presentes, lo que da lugar a piezas de diferentes formatos pensadas para espacios absolutamente diversos, desde un teatro a un paseo con el público por la periferia de una ciudad. La función del espectador es otro de sus interrogantes, que le lleva a situarlo en un estado que tiene más que ver con lo activo que con su tradicional posición pasiva.

Hello Myself ganó el 9º premio de Proyectos de Artes Escénicas Lleida 2008.


Rotozaza. “Etiquette”


Fecha: 27 de enero a 7 de febrero de 2010
Hora: 11:00 h a 14:00 h y 17:00 h a 20:00 h
Lugar: Cafetería Nouvel
Organizado por: Festival Escena Contemporánea
Con el apoyo de: Fundación British Council

Etiquette es una experiencia única de media hora para dos personas en un espacio público. No hay nadie observando, sólo están ellos, el resto del mundo permanece totalmente al margen. Un juego teatral sobre un tablero en el que los protagonistas llevan puestos unos auriculares que les dictan lo que tienen qué decirse el uno al otro o qué objetos de la mesa utilizar. Para que funcione simplemente necesitan escuchar y reaccionar. Etiquette es teatro en estado puro, vivo, revelador, filosófico e increíblemente único. Los participantes son a la vez actores y público y la obra hace real la fantasía de poder hablar sin tener que pensar qué decir.

Rotozaza se ha establecido como uno de los grupos performáticos más consistentes, innovadores e internacionales del Reino Unido. Su trabajo es tan provocativo como cómico y, a menudo, se encuentra marcado por revelaciones clave que transforman totalmente la perspectiva de una audiencia sobre el acontecimiento que presencia. Anton Hampton y Silvia Mercuriali, principales integrantes de Rotozaza, crearon Etiquette en colaboración de Paul Bennun, fundador y director de Somethin' Else.
del edificio Sabatini.
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LYDIA LUNCH PRESENTA AMNESIA EN EL MUSEO REINA SOFÍA

Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Auditorio Sabatini

Fecha: Miércoles 27 de enero, 2010

Hora: 19:00 horas.

Entrada: gratuita hasta completar aforo





La artista norteamericana Lydia Lunch, (1959, Rochester. NY) cantante, poeta, escritora y actriz, es una de las personalidades más destacadas del spoken word y de la cultura underground de Nueva York. La presentación de este nuevo libro- CD Amnesia es una muestra más del interés de la creadora por continuar explorando nuevos medios para exorcizar sus fantasmas, un testimonio riguroso de los horrores humanos que la cantante siempre ha denunciado. Amnesia es ante todo, una muestra excepcional de los distintos espacios y vértices que actualmente transitan en su profusa creación. Texto, sonido, fotografía y vídeo bajo un mismo grito contra la historia y el olvido.



Buena parte del material del libro está relacionado con sus visitas al pueblo de Belchite (Aragón), arrasado durante la Guerra Civil española. Los textos retoman temas recurrentes en la obra de Lydia Lunch –la guerra y la desesperación del hombre–, pero esta vez inspirados por la experiencia de dicha guerra fraticida. Las bases sonoras del CD están realizadas por Jacob Kirkegaard a partir de grabaciones de los espectros que habitan las ruinas del pueblo aragonés. Las fotografías, por su lado, atestiguan espacios inhóspitos o desiertos de Belchite y otros lugares donde parece que los espectros siguen acechándonos.



El espectáculo para presentar el libro:

Para celebrar la aparición del libro-CD, Lydia Lunch inició a finales de abril de 2009 una gira por España con una versión renovada del espectáculo Ghosts of Spain, en el que conjuga voz, música y video.

Esta nueva versión que presenta en el Museo Reina Sofía de Ghosts of Spain recoge algunos de los textos del libro Amnesia. Tanto en el espectáculo como en el libro, Lydia Lunch habla de la violencia y del cuerpo, de la guerra y la sangre, de la memoria…, temas habituales en su obra, que en esta ocasión cobran nueva vida a raíz de su experiencia en España, donde vive, y sus recurrentes visitas a Belchite, testimonio de excepción de la Guerra Civil española.



Amnesia, el libro:

El libro está compuesto por 12 nuevos poemas escritos en España, en versión original en inglés y en traducción al castellano. Todos los textos tienen como eje común la guerra y la memoria o, dicho de otro modo, la violencia y el hombre. Se trata de temas que Lydia Lunch ha trabajado profusamente en los últimos años y que, a raíz del ejemplo del pueblo de Belchite, han cobrado nueva vida.



Junto a los textos, Lunch presenta 14 fotografías realizadas por ella misma. Se trata de una faceta poco conocida de su obra, pero cada vez más importante en su trayectoria y de factura muy personal, que amplía su voz y su discurso.





Forget to Breathe, el CD:

Lydia Lunch y Jacob Kirkegaard han creado Forget To Breathe, el acompañamiento sonoro para Amnesia. Los temas de Forget To Breathe son una exploración conjunta en la que está presente la psicoacústica de Belchite.



En junio del 2008, Lunch y Kirkegaard peregrinaron a las desamparadas ruinas de Belchite para captar la esencia de su atmósfera, que es de otro mundo. Estas grabaciones de campo fueron la base para un ciclo de canciones pensadas para envolver al oyente en una atmósfera perturbadora en la cual desaparecer durante la lectura de este libro. El CD también incluye un video, titulado Ghosts of Spain, con música de Mark Cunningham e imágenes, texto y voz de Lydia Lunch.





Más información sobre el proyecto sonoro

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